LA GUITARRA ELÉCTRICA
A principio de 1900, los avances en la teoría
eléctrica empezaron a desarrollar nuevas tecnologías, incluyendo los motores,
las carretillas y las luces. En grandes áreas urbanas como Nueva York, las
lámparas eléctricas comenzaban a aparecer en las calles y la iluminación casera
empezó a estar disponible para los adinerados de esa ciudad.
Igualmente, los inventores intentaban aprovechar el uso de la electricidad para
hacer instrumentos más ruidosos, entre ellos los de cuerda como la guitarra, que
se hacía cada vez popular en América del Norte.
Entre los años de 1920 y 1930 empezaba la fiebre de las grandes bandas de música
"swing", danzas públicas populares que cada vez se hacían más famosas. Este
nuevo estilo creó la necesidad de guitarras más ruidosas y fue cuando se
introdujeron las cuerdas de acero que hacían aumentar el volumen de la guitarra
acústica.
Simultáneamente, la famosa guitarra hawaiana fue adaptada para tocar el estilo "blues"
de la cultura afroamericana de los Estados Unidos. Esta guitarra fue modificada
para este tipo de música, convirtiéndose en la primera de cuerdas de acero
moderna. La nueva hawaiana no tuvo éxito porque la resonancia del instrumento
era muy baja.
Por otro lado, en la ciudad de Los Ángeles, los músicos George Beauchamp y John
Dopyera empezaron a crear guitarras de más volumen. Después de varios intentos
fallidos, Dopyera intenta utilizar discos de aluminio y un cuerpo de metal, lo
que hizo a la guitarra cinco veces más ruidosa que la guitarra acústica
tradicional.
Más tarde Beauchamp y Dopyera formaron la compañía National String Instrument y
patentan este nuevo diseño con el nombre de National Resonator, la primera
guitarra parecida a lo que hoy se conoce como guitarra eléctrica. Rápidamente
llegó a ser muy popular entre los estilos de música "country" y "blues".
Por problemas internos en la compañía, Beauchamp y Dopyra se separaron.
Beauchamp continuó con sus experimentos y se asoció con Adolf Rickenbacker, un
habilidoso ingeniero experimentado en técnicas de manufacturación y catalogado
por muchos como el verdadero padre de la guitarra eléctrica.
Tras la muerte de Beauchamp, Adolph Rickenbacker continuó unos años más con la
compañía, dando inicio a la etapa moderna de las guitarras. Finalmente la
guitarra eléctrica quedaría como un instrumento musical semejante a la guitarra
acústica, en el cual las vibraciones sonoras producidas por las cuerdas son
incrementadas eléctricamente y reproducidas mediante amplificador.
Pero no fue sino diez años más tarde cuando se empezó escuchar el nombre de este
instrumento y de su creador Rickenbacker, puesto que bandas como The Beatles
empezaron a utilizar estas guitarras. Los chicos de Liverpool convirtieron a la
marca en una leyenda.
John Lennon poseía una versión de doce cuerdas que fue especialmente construida
para él. Paul Mc Cartney usaba una de dos pastillas y George Harrison tenía dos
guitarras diferentes de doce cuerdas. Indirectamente estos reconocidos
personajes de la música influyen indiscutiblemente en la propagación de este
instrumento, creando de manera definitiva una nueva manera de tocar y escuchar
la guitarra.
Es así como la historia de la guitarra eléctrica comienza en América,
corriéndose rápidamente por todo el mundo desde sus inicios hasta la actualidad,
gracias a la característica que hace a este instrumento tan especial: convertir
las vibraciones de las cuerdas en señales de sonido amplificado.
Fender
La guitarra Fender Stratocaster, es una de las
guitarras más comunes que existen; músicos como Eric Clapton, Yngwie Malmsteen,
Mark Knopfler, Dave Murray , The Edge, Kurt Cobain, Jimi Hendrix, Ritchie
Blackmore o Billie Joe Armstrong son algunos de los que utilizan o han utilizado
este conocido modelo de la marca Fender. Se sabe que David Gilmour, guitarrista
líder de la banda Pink Floyd, posee la guitarra número 00001 de esta serie.
La Stratocaster es una guitarra eléctrica diseñada por Leo Fender en 1954 que
sigue fabricándose hoy en día, al punto que ha sido "copiada" por diferentes
marcas algunas incluso bajo la autorización de Fender por ejemplo "Behringer",
pero el clavijero de la guitarra sigue estando patentado por lo tanto no puede
ser copiado, en las guitarras Squier si que es exacto el diseño, ya que las
fabrica la propia Fender, es la equivalencia de Epiphone - Gibson.
El primer modelo de Stratocaster fue concebido como una evolución natural de
otra guitarra diseñada por el mismo Leo Fender, anterior a ésta y que aún se
comercializa con mucho éxito: La Telecaster. Respecto a su predecesora, la
comúnmente llamada "Strat" muestra una forma más estilizada y cómoda en su
cuerpo (con dos "cut-aways"), y una pastilla más en su construcción. El selector
de pastillas del modelo tradicional cuenta con 5 posiciones diferenciadas, dos
de las cuales activan a la vez dos pastillas de la guitarra, conectándolas en
paralelo. Esas posiciones supusieron en la época el mayor reclamo de la Strat
frente a la Telecaster.
Sin embargo, el mayor de los atractivos de esta guitarra radica en su sonido. En
las tres posiciones extremas del selector se activan una a una las pastillas (de
bobinado simple), que le confieren al instrumento una gama de sonidos extensa y
fructífera. Profundamente sensible al ataque de la púa, el tono de la Strat es
considerado uno de los más característicos de la historia de la guitarra
moderna. Por su parte, las dos posiciones intermedias (conexión en paralelo) le
otorgan al sonido un cariz mucho más líquido y profundo. Es por eso que la
Stratocaster se considera una guitarra adecuada para multitud de estilos
musicales, prácticamente camaleónica. Tiene sentimiento para el Blues, Groove
para el funk, Punch para el rock, textura para el jazz y comodidad para el heavy
metal
gibson
Hoy en día la sede central de las guitarras
eléctricas Gibson está en "Gibson USA". Construida en 1974 en Nashville
específicamente para la fabricación de guitarras Gibson Les Paul. Aunque toda la
industria de la guitarra sufrió un bajón a finales de los 70, el espíritu de
innovación se mantuvo fuerte en Gibson. Como respuesta a la creciente demanda de
estilos vintage, Gibson echó mano de su rica historia y en 1981 volvió a poner
en circulación la versión dot neck de la ES-335 y en y en 1982 lo hizo con la
LesPaul sunburst de tapa flameada . Al mismo tiempo, dos guitarristas
legendarios se unieron a Gibson: B.B. King en 1980 con el modelo Lucille, y Chet
Atkins en 1982 con su nuevo concepto de guitarra acústica de cuerpo sólido.
En 1984 las oficinas centrales Gibson a nivel mundial se trasladaron a Nashville
con el cierre de la planta de Kalamazoo. La compañía, que pasaba por una etapa
de problemas económicos, fue relanzada en enero de 1986 por Henry Juszkiewicz y
David Berryman, y los nuevos propietarios restauraron rápidamente la reputación
de Gibson por la calidad así como por su rentabilidad.
Las guitarras eléctricas Gibson actuales representan la historia y también el
futuro de la guitarra eléctrica. Los modelos cuyos diseños se han convertido en
clásicos, como las ES-175, ES-335, Flying V, Explorer, Firebird, SGs y Les Pauls,
son una herencia de la gran atracción que ejerce Gibson, y que ha mantenido
durante más de cuatro décadas de estilos musicales diversos . La estrecha
relación de Gibson con los músicos se manifiesta en los modelos de artistas
comisionados tales como King, Atkins y las estrellas del jazz como Howard
Roberts y Herb Ellis, además de las nuevas Les Pauls fabricadas según las
especificaciones personales de estrellas del rock como Jimmy Page y Joe Perry.
En 1994, el año del centenario de Gibson, el nuevo modelo Nighthawk ganó un
premio de la industria por su diseño. Entonces se marcó la pauta para iniciar un
segundo centenario de calidad e innovación Gibson.
Las primeras Gibson eléctricas
Para cuando Gibson empezó a trabajar en su primera guitarra eléctrica, la
compañía tuvo que demostrar que estaba a la altura de una tradición de calidad e
innovación de ya 40 años. Por ello, la primera Gibson eléctrica no podía ser
sino la mejor guitarra eléctrica que se había visto en todo el mundo.
En la primavera La primavera de 1935, Gibson contrató al músico Alvino Rey para
que les ayudara a desarrollar una pastilla prototipo con ingenieros de la
compañía Lyon & Healy de Chicago. Posteriormente ese año, la investigación se
incorporó en plantilla, cuando Walter Fuller, empleado de Gibson, ideó el diseño
final. A finales de 1935 Gibson introdujo la pastilla hexagonal característica
en un modelo “lap steel” La pastilla fue montada en una guitarra F-hole archtop,
dobló la ES-150 (ES de Electric Spanish), y la primera fue enviada desde la
fábrica de Gibson en Kalamazoo, Michigan, el 20 de mayo de 1936.
El éxito de la ES-150 fue un arma de doble filo, ya que situó a Gibson como el
primer fabricante de guitarras eléctricas, y al mismo tiempola compañía adquiría
ante sí misma el compromiso de superar ese colosal logro. Después de interrumpir
la producción a causa de la Segunda Guerra Mundial, Gibson lo consiguió.
La era dorada de la innovación
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, la guitarra eléctrica
evolucionó y Gibson inició la era dorada de la innovación. La pastilla P-90,
introducida en 1946, dio una nueva fuerza y versatilidad a los guitarristas.
Bajo el liderazgo emprendedor del presidente de la compañía Ted McCarty, en 1949
Gibson presentó dos nuevos conceptos con la ES-5, la primera guitarra de tres
pastillas, y la ES-175, la primera guitarra con cuerno puntiagudo (de “recorte
florentino”).
La llegada de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido supuso un nuevo reto para
Gibson. Igual que la ES-150 en 1936, la primera guitarra eléctrica Gibson de
cuerpo sólido tenía que estar a la altura de la tradición de Gibson y al mismo
tiempo situarse por delante de las otras guitarras de este tipo. La guitarra de
tapa tallada recordaba los instrumentos Orville Gibson de finales del 1800, y el
acabado dorado representaba un valor superior a todos los demás instrumentos.
Con los comisionados de los guitarristas más populares de esa época, Gibson
introdujo el modelo Les Paul en 1952. La Les Paul creció rápidamente hasta
formar una familia formada por cuatro modelos: Junior, Special, Standard y
Custom, y todas ellas se convirtieron en clásicos Gibson. Los modelos de gama
alta Gibson lucían el nuevo puente McCarty tune-o-matic, que fue introducido en
las Les Paul Custom en 1954 y todavía es el puente de guitarra eléctrica
estándar Gibson. En 1958 McCarty presentó no una, sino dos ideas totalmente
nuevas: una guitarra eléctrica de cuerpo semi-hueco y un grupo de exóticas y
futuristas guitarras de cuerpo sólido. La ES-335 fue un éxito inmediato,
combinando el estilo archtop tradicional con el estilo moderno, de construcción
en cuerpo sólido. Las Flying V, Explorer y Moderne demostraron que iban unos
cuantos decenios por delante de su tiempo.
Gibson siguió adelante sin parar en los años 60 con dos modelos más atrevidos y
modernos, de líneas de cuerpo sólido: los modelos doble cutaway SG del 61 y los
Firebird de cuerpo invertido del 63. Para cuando terminó la era McCarty en 1965,
Gibson había formado una base de modelos clásicos que conduciría a la compañía
través del resto del siglo.
Rickenbacker
Es una de las marcas más antiguas de guitarras eléctricas. La firma tiene su
casa central en Santa Ana, California, y todos sus productos se fabrican allí.
Es la compañía que fabrica la mayor cantidad de su producción dentro de los
Estados Unidos, característica que determina la alta calidad de los productos y
los precios.
Fundación
La compañía fue fundada con el nombre de Electro String Instrument Corporation,
por Adolph Rickenbacher y George Beauchamp. Ellos eligieron que el nombre de la
marca de guitarras fuera Rickenbacher, pero luego fue cambiado a Rickenbacker.
Estos instrumentos fueron sobrenombrados como "sartenes", debido a sus largos
mastiles y cuerpos circulares. Son considerados por algunos como las primeras
guitarras eléctricas sólidas (macizas), mas allá de que no eran guitarras
standard, sino guitarras de las tipo "lap-steel". Tenían pastillas enormes, con
un par de magnetos con forma de "herradura" que pasaban por sobre las cuerdas.
Para el año 1939, en el cual cesó la producción, se habían fabricado 2700
unidades.
Comienzos
Rickenbacher (cambiado poco tempo después a 'Rickenbacker', para evitar
cualquier connotación alemana mientras ocurría la guerra mundial) continuó
especializándose en guitarras de metal en 1950, pero con el boom del rock and
roll, sus producciones comenzaron a incluir guitarras standard (acusticas y
eléctricas). En 1956, Rickenbacker introdujo dos instrumentos de tipo "neck
through body" (mastil dentro del cuerpo). Esa construcción se transformó en
standard para la compañía en sus modelos Combo 400 guitar y el modelo 4000 de
bajo.
Biografías de solistas de guitarra
electrica
Jimi Hendrix
Seguramente el mejor guitarrista de la historia de
la música, con un talento excepcional para tocar la guitarra, no era lo único
que sabía hacer sobre un escenario, gran músico y buen cantante.Ha sido una de las grandes influencias, un innovador del instrumento de las seis
cuerdas, John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el nombre por el de
James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942, en Seattle.
Cuando tenía diecisiete años, su padre le compró su primera guitarra eléctrica.
Como era zurdo, tuvo que adaptar las cuerdas de forma que le resultara más fácil
tocar.
Empezó a destacar como un virtuoso de la guitarra, pero se vio obligado a
abandonar la escuela para ayudar a su padre en el trabajo y, finalmente, se
alistó en el ejército, donde conoció a Billy Cox, , un bajista con el que
formaría el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo, sus habilidades guitarreras serían contratadas como músico de
sesión y de acompañamiento por gente tan importante en la época dentro de la
música negra como Little Richard, King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers.
Estos trabajos le ayudarían a conocer el negocio desde dentro y a desarrollar
sus maneras de expresión sonora. Hendrix, sin embargo, no se acababa de
encontrar a gusto como simple pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera
para así poder desplegar toda la creatividad que llevaba dentro.
En 1965 se va a Nueva York y comienza a tocar en los clubs. Se une a los grupos
de John Hammon Jr. y Curtis Knight, sin conseguir liderar una banda propia.
En 1966 cuando forma los Blue Flames (con Randy California) y se rebautizó como
Jimmy James cuando logra conformar por fin un grupo que comenzaría a actuar
regularmente por los locales neoyorquinos. Una noche que actuaban en uno de
ellos, el "Café Wha,", los Jimmy James & The Blue Flames fueron vistos por el ex
bajista del grupo británico de R&B The Animals, Chas Chandler
Chandler se dió cuenta del potencial de aquel guitarrista zurdo de raza negra y
nada más terminar el concierto, se le acercó y le rogó que le acompañase a las
Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler junto a Mike Jeffries (Jeffery) se convirtieron en sus representantes y
después de buscarle tras varias audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel
Redding (al bajo) y Mitch Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío
liderado por Hendrix como la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en
directo en octubre de 1966 en la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en Londres ante una selectiva audiencia, nada más y
nada menos que gente como Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron
al concierto de la Experience, que seguramente fliparían con la explosión
guitarrera de la Fender Stratocaster de Hendrix.
A finales de año, la Experience publicaba en Polydor su primer y exitoso
sencillo, la versión más célebre del tema Hey Joe (número 6 en listas) que
tendría una espléndida continuación con Purple Haze (número 3) y The Wind Cries
Mary (número 6), composiciones propias que también triunfaron en ventas. Si en
el aspecto comercial sus vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus
ardientes conciertos con los cuales Jimi Hendrix pasaría a la historia.
Su primer disco llega al número 2 en el chart británico, Are You Experienced?
(1967) es sin duda, uno de los mejores discos debut de un artista rock en toda
la historia del género.
También conseguiría triunfar en su país natal a raíz de su aparición en el
Festival de Monterey, en 1967 (aparición recomendada a los organizadores por
Paul McCartney).
Tras grabar su cuarto sencillo, Burning of the midnight lamp que no ofreció los
resultados comerciales de los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos,
la Jimi Hendrix Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, Axis:
Bols As Love (1967), otro buen disco aparecido a finales del mismo año con temas
como If six was nine, Little wing o Bold as love y colaboraciones vocales de
gente como Graham Nash o Roy Wood.
mas legDespués llega el doble Electric Ladyland (1968), otros de los grandes discos de
la historia. Las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se hicieron
insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del grupo. El
disco contiene temas como Voodo Chile (A Slight Return), Rainy Day, Dream Away o
la versión de Bob Dylan All Along The Watchtower y que contaba con apoyos de
grandes nombres de la música británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood
a la flauta, además de, entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su
terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un
comportamiento vacilante. Probleales, arrestos en Suecia y Canadá y
conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
Chandler abandonó su representación y Jimi dejó aparcado el proyecto de la
Experience para fundar Band of Gypsies, un nuevo formato trío completado por su
antiguo compañero Billy Cox al bajo y el batería Buddy Miles.
Su actuación en Woodstock (en la cual estarían Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry
Vélez y Juma Sultan) volvería a resultar muy llamativa, en especial debido a su
interpretación del Star-Spangled Banner
Los tres grabarían el Lp en directo Band of Gypsies (1970), que recogía su
actuación en el Fillmore East de Nueva York. El estilo funky de la batería de
Miles no convencía a Hendrix y éste rompería la formación abandonando a la banda
en pleno concierto en el Madison Square Garden. Un desorientado Jimi recuperaba
al batería Mitch Mitchell y proyectaba la grabación de un nuevo album doble,
Firts rays of new rising sun, disco que nunca vería publicado en vida.
Con Cox y Mitchell seguiría actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla
de Wight en agosto de 1970. Un mes más tarde, su compañera sentimenal, Monika
Danneman, lo encontraría muerto en su habitación londinense debido a un
ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de drogas. Era el 18
de septiembre de 1970 y el genio de la guitarra contaba solamente con 27 años de
edad.
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Carlos Santana
Carlos Santana nació en 1947, en un pueblo mexicano llamado Autlan. Fue iniciado
a la música tradicional por su padre, un músico de mariachi, aunque a Carlos le
gustaba la música rock que imperaba en aquella época.
Cuando su familia se mudó a San Francisco, Carlos tuvo que aprender inglés
rápidamente y se empapó de la música rock, estudiando a los grupos que tocaban
por la ciudad y siguiendo su propia evolución.
En 1966 crea su famosa banda, Santana, con la que llega a triunfar en el famoso
festival de Woodstock de 1969, impresionando a los asistentes con su estilo, una
fusión entre el rock y los ritmos afrocubanos y latinos.
Ese festival fue el punto de partida del enorme éxito de este guitarrista a lo
largo de todo el mundo.
En 1969 publica 'Santana' y en 1970 'Abraxas', con el que obtuvo el primer
puesto en las listas americanas durante seis semanas y más de un millón de
copias vendidas, algo poco habitual en un grupo básicamente instrumental.
A lo largo de su carrera ha recibido prestigiosos premios, entre los que cabe
destacar un Grammy en 1988 al mejor espectáculo instrumental y el honor de tener
una estrella en el Camino de la Fama, en Hollywood.
Con su último disco 'Supernatural', Santana obtuvo el mayor éxito de su carrera:
Ganó 9 Premios Grammy, 3 Grammy Latinos, y vendió más de 25 millones de copias
en todo el mundo.
Ahora, en su nuevo trabajo, 'Shaman', vuelve a contar con colaboraciones delujo:
Dido, Seal, Macy Gray, POD, Placido Domingo, Chad Kroeger de Nickelback y
Michelle Branch.
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Mark Knopfler
Mark Knopfler nació en Glasgow, Escocia, en 1949. A los siete años se fue a
vivir con su familia a Newcastle, en Inglaterra, donde asistió a una escuela de
gramática.
En la década de los sesenta aprendió a tocar la guitarra uniéndose a pequeñas
bandas y aprendiendo de los guitarristas de la época como Jimi Hendrix, Scotty
moore o James Burton. A los dieciseis montó un duo con su amigo Sue Hercombe,
llegando a aparecer en la televisión local.
En 1967 hizo un curso de periodismo, lo que le valió para asegurarse un puesto
de reportero junior en un periódico de Leeds, a la vez que continuaba con sus
estudios de gramática inglesa.
En un local de Leeds conoca a Steve Philips, un cantante y guitarrista de blues.
Mark escribe artículos en el periódico sobre la música y los artistas en Leeds.
Junto a Steve crea un duo llamado 'The Duolian String Pickers', compaginando la
música con sus trabajos respectivos.
Viviendo en Leeds, Mark Knopfler grabó su primera maqueta, en una habitación
convertida en improvisado estudio. El título de la canción era 'Summers's Coming
My Way'.
Después de graduarse en la Universidad de Leeds en 1973, Mark Knopfler decidió
irse a Londres, para intentar entrar en la escena musical. Finalmente, consiguió
una audición y dos
meses de trabajo en una banda llamada 'Brewer's Droop'.
Poco tiempo después, su hermano David fue a vivir a Londres con él, y ambos
crearon un pequeño grupo, 'Café Racers'. A ellos se unió poco después, su
compañero de piso, John Illsley y su amigo Pick Whiters. De esta unión nació 'Dire
Straits', una de las mejores bandas que ha dado la historia musical y con
registro de ventas que supera los cien millones de álbums. A ellos se deben
discos de la talla de 'Brothers in Arms', 'Making Movies', 'Alchemy', 'Communiqué'
y 'On Every Street', tal y como se detalla en la historia de los 'Dire Straits'.
Mark Knopfler ha colaborado también con varios artistas de la talla de Sting,
Eric Clapton, Bob Dylan, Tina Turner o Van Morrison.
También ha acudido a numerosos festivales benéficos, como el 'Live Aid Concert',
en 1985 o el 'Concierto por el 70 cumpleaños de Nelson Mandela', en 1988. En
Septiembre de 1997 fue uno de los artistas destacados en el 'Montserrat Concert',
en el Royal Albert Hall.
En su carrera en solitario, Mark Knopfler ha destacado a la hora de utilizar su
guitarra para crear bandas sonoras de películas. Hay que destacar, en 1983, el
álbum 'Local Hero', para la película del mismo título, y en 1984 el disco para
la película 'Cal'.
En 1987 publica 'The Princess Bride', y dos años después 'Last Exit To Brooklyn'.
En 1996 publica 'Golden Heart', un disco que supuso un pequeño paso en la
evolución de su música.
En 1998 publicó 'Wag The Dog', una nueva banda sonora para uno de los mejores
guitarristas
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Eric Clapton
Eric Patrick Clapton nació en Inglaterra el 30 de marzo de 1945. Creció hasta
los nueve años, creyendo que sus abuelos eran sus padres, y cuando estos
pensaron que Eric tenía la suficiente edad para saber la verdad, le contaron que
su "hermana",era en realidad su madre, y que no se lo habían dicho antes, para
evitarle sufrir por culpa de su ilegitimidad. Era un muchacho sosegado y
educado, y un estudiante con una clara aptitud para el arte. Después de oir al
"Rey" y a Buddy Holly, clapton se entusiasmó por la música, y a la edad de 13
años, su abuela le compró su primera guitarra, una Spanish Hoya Acústica de 14
libras. El blues fue el tipo de música que más se adentró en Eric Clapton, y así
comenzó a escuchar a artistas como Jimmy Reed, Muddy Waters, Big Bill Broonzy, y
muchos más.
Cuando contaba ya con 16 años, fue admitido en el Kingston College Of Art,
gracias sobretodo a sus magníficos trabajos de arte. Aunque eligió estudiar
diseño de vidrio de colores, no logró acabar la mayoría de los trabajos que le
encargaban, ya que dedicaba la mayor parte del tiempo a tocar la guitarra. Más
tarde encontró trabajo en la construcción, y cuando logró ahorrar una buena
cantidad de dinero, se compró la que sería su segunda guitarra, una Kay
eléctrica de 100 libras, y comenzó a tocar en clubes folk por las noches. De
este modo, Eric Clapton se adentró en el mundo de la música.
Aunque su primera banda fue The Roosters, Clapton comenzó a tener éxito cuando
se unió a The Yardbirds. Durante su estancia con los Yardbirds le apodaron "Slowhand",
mote con el que todavía hoy es conocido. Después de seis meses, desilusionado
con la nueva dirección musical de la banda que había abandonado el blues para
meterse de lleno en el pop, Clapton abandonó, justo cuando lograron su primer
gran éxito en las listas británicas. Semanas más tarde, fue invitado a unirse al
grupo John Mayall's Bluesbreakers. Durante su estancia con John Mayall, Clapton
se hizo definitivamente un nombre tanto para él como para el grupo en su
conjunto, es durante este periodo cuando aparecen las famosas pintadas en
Londres "Clapton Is God". El álbum John Mayall's Bluesbreakers With Eric Clapton
muestra por primera vez el talento único de Clapton.
En 1966, deja el grupo de Mayall y se une a Jack Bruce y Ginger Baker para
formar el primer supergrupo de la historia del Rock, Cream. Después de tres años
de grabaciones sucesivas y conciertos multitudinarios sobre todo en Estados
Unidos el grupo se separa en 1968 tras fuertes discusiones entre Jack Bruce y
Ginger Baker. En 1969 forma un nuevo grupo llamado Blind Faith con la presencia
de Steve Winwood. Un álbum con las maravillosas “Can’t Find My Way Home” y
“Presence Of The Lord” y una gira americana fue el bagaje musical de este gran
grupo que tan solo duró un año. Ese mismo año Clapton fue invitado por John
Lennon para tocar en varios conciertos con él y para grabar el single "Cold
Turkey." A finales de 1969 y principios de 1970 Clapton tocó en la banda de
Delaney and Bonnie. Con la ayuda de los miembros de esta banda Clapton grabó su
primer álbum en solitario en 1970, titulado Eric Clapton y que contiene temas
clásicos del repertorio de Clapton como “Let It Rain”, “Blues Power” o “After
Midnight”.
En 1970, Clapton colaboró en la grabación del magnífico triple LP de George
Harrison “All Things Must Past” y formó un nuevo grupo con tres miembros de la
banda de Delaney and Bonnie, Carl Radle, Bobby Whitlock y Jim Gordon. El grupo
se llamó Derek And The Dominos, con este grupo y la ayuda del guitarrista Duane
Allman, Clapton grabó el mejor álbum de toda su carrera “Layla and Other
Assorted Love Songs” que compuso inspirado en la mujer de George Harrison, Patty
Boyd, con la que Clapton contrajo matrimonio más tarde, aunque sin embargo en su
día no tuvo el reconocimiento que se merecía y pasó prácticamente desapercibido.
Durante las sesiones del All Things Must Past, Clapton comenzó su adición a la
heroína, tras el fracaso de Layla, la muerte de su padre Jack Clapp y la de su
amigo Jimi Hendrix, está dependencia se hizo aún mayor y durante dos largos años
desapareció de la escena musical. Apareciendo tan solo en el concierto de
Bangladesh de George Harrison y con Leon Russel en un concierto en Londres.
En enero de 1973, Clapton tras una exitosa terapia basada en la acupuntura dejó
sus problemas con las drogas y su amigo Pete Townsend le organizó un concierto
de regreso en el Rainbow Theatre de Londres, en el que además de Clapton y
Townsend participaron Ron Wood y Steve Winwood.
En Julio de 1974, Clapton graba el álbum 461 Ocean Boulevard que es número 1 en
las listas americanas y que incluye la versión del clásico de Bob Marley, "I
Shot The Sheriff". Clapton también aparece ese mismo año en la película Tommy de
los Who. En abril de 1975, Clapton graba There's One In Every Crowd y un álbum
en directo en agosto titulado, E.C. Was Here, al que sigui No Reason To Cry en
agosto de 1976, en el que colaboraron el grupo The Band, Ron Wood y Bob Dylan.
Pero el verdadero éxito comercial como artista en solitario llega en noviembre
de 1977 con el álbum Slowhand. El LP contiene los éxitos "Lay Down Sally", "Wonderful
Tonight" y el clásico "Cocaine" y vendió más de 3 millones de copias en U.S.A.
En noviembre de 1978, Clapton edita Backless que entra en el Top 10 con la
canción "Promises." A finales de los 70, la carrera de Clapton empezó a sentir
los efectos de su adicción a la bebida. En mayo de 1980, publica el magnífico
doble álbum en directo, Just One Night grabado en Japón a finales de 1979.
En abril de 1981, se edita Another Ticket y de nuevo llega al Top 10 con "I
Can't Stand It.". Ese mismo año, Clapton se desploma durante una actuación en
Madison, Wisconsin (USA) y es hospitalizado inmediatamente. Se le diagnostican
varias úlceras una del tamaño de una mandarina. Tras lo cual ingresa en una
clínica especializada para resolver sus problemas con el alcohol. En febrero de
1983, Clapton firma por la compañía discográfica Warner Brothers y publica Money
And Cigarettes. Al mismo tiempo aparece una recopilación de grandes éxitos de su
etapa con la compañía Polydor titulado Time Pieces-Best of Eric Clapton que
vende más de 7 millones de copias en the U.S.A. En marzo de 1985, graba Behind
The Sun que incluye "She's Waiting," "Same Old Blues" y "Forever Man.". Ese
verano participa en el macroconcierto Live Aid donde realiza una actuación
impresionate y que supone un punto de inflexión en la carrera de Clapton,
atrayendo a miles de nuevos fans y rejuveneciendo su música. También compone
varios temas para la banda sonora de la serie Edge Of Darkness, por la que
recibe varios prestigiosos premios.
En noviembre de 1986, se publica August que incluye los éxitos "It's In The Way
That You Use It" (que también aparece en la banda sonora de la película The
Color Of Money) y "Tearing Us Apart" (con Tina Turner). La revista Q magazine
titula al álbum como,"...el comienzo oficial del renacimiento de la carrera de
Clapton...". En febrero de 1987, recibe el premio Lifetime Achievement Award del
British Phonographic Institute. En abril de 1988, se publica su primera caja
recopilatoria titulada Crossroads que incluye 73 canciones de todas sus épocas y
grupos. En 1990, Crossroads consigue ser la primera caja recopilatoria de la
historia en conseguir el disco de platino (y más tarde el doble platino).
También en 1988, Clapton graba temas para otras dos bandas sonoras Homeboy y
Lethal Weapon 2 .
En noviembre de 1989, se publica Journeyman, este LP está considerado como sus
regreso a las raices blues-rock que fue la principal característica de la música
de Clapton en las décadas de los 60 y 70. Podemos destacar principalmente "Pretending"
y "Bad Love.", con este último tema Clapton consiguió en 1991 su primer Grammy
como artista en solitario y en 1990, Journeyman ganó el Billboard Music Award
como Mejor Album de Rock. 1990 también fue un año de tragedia para Clapton.
Después de un concierto en Alphine Valley con Steve Ray Vaughan, Robert Cray,
Jimmie Vaughan y Buddy Guy, varios miembros del equipo de la gira americana de
Clapton y Steve Ray Vaughan, fallecen en accidente de helicoptero. En 1991
nuevamente la tragedia golpea a Clapton cuando su hijo de 4 años muere tras
caerse desde la ventana de un rascacielos en Nueva York.
En octubre de 1991, se publica el doble álbum en directo, 24 Nights que recoge
varias actuaciones en directo en el Royal Albert Hall de Londres en 1990 y 1991.
En diciembre de ese mismo año realizó una gira con George Harrison en Japón. En
enero de 1992, Clapton grabó un concierto acústico para la cadena MTV y dos
nuevas bandas sonoras Rush y Lethal Weapon 3 (que incluye la canción "It's
Probably Me" con Sting). En agosto, se publicó el concierto acústico con el
título Unplugged, que contiene los éxitos “Tears in Heaven” dedicada a su hijo y
una nueva versión acústica del clásico "Layla.". Este LP ganó 6 Grammys y vendió
más de 10 millones de copias en todo el mundo. Clapton también ganó el premio al
Mejor Video de los MTV Video Music Award por "Tears In Heaven.".
1993, fue el año de los premios para Clapton, no sólo recibió los 6 Grammys
anteriormente mencionados por Unplugged, sino que además entró en el Rock & Roll
Hall of Fame como parte del grupo Cream (TheYardbirds habían entrado
anteriormente). En cuanto a las grabaciones Clapton aparece en varios álbumes
tributo: Tribute To Curtis Mayfield, Stone Free: A Tribute To Jimi Hendrix, y
Bob Dylan 30th Anniversary Concert. En septiembre de 1994, se edita From The
Cradle, que es el primer álbum completamente de blues grabado por Clapton, en él
se recogen una colección de temas clásicos del blues. El LP ganó el Grammy al
Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en
U.S.A. siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia.
Ese año, el nombre de Clapton sonó en la prensa londinense como uno de los
posibles sustitutos del fallecido Lennon para ser el cuarto componente de los "Beatles",
como parte de un proyecto destinado a unir de nuevo a los supervivientes del
famoso grupo de Liverpool.
En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título
Crossroads 2: Live In The Seventies que consiste básicamente en actuaciones en
directo grabadas durante los años 70 así como 4 temas en estudio no publicados
anteriormente. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con el tema “Change
The World” con la colaboración de Babyface. También participó en un concierto
homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto Prince’s Trust en el Hyde Park
de Londres, donde realizó una actuación memorable. En 1997, Clapton colaboró con
Simon Climie en un álbum techno titulado Retail Therapy (en el que aparece con
el pseudónimo "X-Sample"). Clapton también ganó ese año otros 3 Grammy:
Grabación del Año y Mejor Vocalista Pop Masculino por "Change The World" y
compartió el Grammy a la Mejor Actuación Rock Instrumental por "SRV Shuffle."
del álbum tributo a Steve Ray Vaughan.
En marzo, Clapton publicó el álbum Pilgrim y en julio abrió una clínica para la
rehabilitación de drogadictos y alcohólicos en la isla caribeña de Antigua con
el nombre de “Crossroads Center”.
En 2004 publica un álbum homenaje al mejor bluesman de la historia: Robert
Johnson. "Me And Mr. Johnson" incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el
maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30.
Muchos llaman a Johnson el mayor bluesman de todos los tiempos por su gran
influencia sobre las carreras de Muddy Waters, Howlin’ Wolf, The Rolling Stones
y The Allman Brothers Band. Eric Clapton ha grabado este disco con una banda de
auténtico lujo: Billy Preston (teclados), Nathan East (bajo), Andy Fairweather
Low (guitarra) y Steve Gadd (batería) entre otros. Clapton ya había grabado con
anterioridad alguna canción del maestro Johnson, tanto en sus discos en
solitario como cuando formaba parte de las bandas John Mayall’s Bluesbreakers o
Cream. Pero “Me and Mr.Johnson” será el primer tributo completo que Clapton ha
realizado en su carrera
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Pat Metheny
(EEUU, 1954)Compositor y guitarrista eléctrico estadounidense. Nació en Kansas, Missouri, y
estudió en la Universidad de Miami, Florida. Metheny inició sus estudios de
guitarra a los 13 años y cuando era todavía adolescente comenzó a dar clases en
Miami y en la Berklee School of Music de Boston. Formó parte del grupo de Gary
Burton (1974-1977) y a finales de la década de 1970 creó su propio grupo.
Desarrolló un estilo improvisador, lírico, con influencias del jazz, de la
música rock y de la música country. Metheny ha interpretado y grabado discos con
figuras de jazz contemporáneas como Sonny Rollins, Ornette Coleman, Jack
DeJohnette y Steve Swallow. Siguiendo una línea clara y sencilla de
improvisación en su música, con frecuencia ha sido considerado en las encuestas
de la revista de jazz estadounidense Downbeat como el mejor guitarrista de jazz
del mundo. Es autor de bandas sonoras para películas como El juego del halcón
(1985, John Schlesinger) y Dos veces en la vida (1985, Bud Yorkin). Entre sus
numerosos álbumes destacan First Circle (1984), Song X (con Ornette Coleman,
1985), Still Life (Talking) (1987), Letter from Home (1989) y We Live Here
(1995)
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Aldi Meola
Al DiMeola (Jersey City, 22 de julio de 1954), guitarrista
estadounidense de jazz. Di Meola, de orígenes italo-americanas (verdadero nombre
Al Laurence Dimeola), es uno de los grandes representantes de la fusión
jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del
mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito
occidental. Es considerado un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con
la acústica.
Además de ostentar la
mayor cantidad de premios, y de estos, los más prestigiados otorgados a un
guitarrista, Al Di Meola es conocido en el mundo entero por su estilo delicado y
progresivo a la vez para ejecutar la guitarra, tanto acústica, electroacústica y
algunas variantes de instrumentos que han sido, incluso, mandados hacer
especialmente para lograr sonidos que no se obtienen con guitarras
convencionales.
Meola es una artista que goza de la ambigüedad privilegiada de haber rescatado
en su obra múltiples influencias que se fundamentan principalmente en el jazz,
flamenco y new age, contrastando con el hecho de ser él, referencia obligada
para los nuevos guitarristas y para los fanáticos de la música resuelta en seis
cuerdas.
Por si fuese poco, ha colaborado y sido partícipe en proyectos en los que ha
compartido créditos con Paco de Lucía, Chick Corea, Luc Ponty, Luciano Pavarotti,
Santana, Wayne Shorter, Steve Vai, Jimmy Page, Frank Zappa y en uno de sus más
recientes proyectos ha reunido a músicos argentinos, cubanos e israelitas: Al Di
Meola World Sinfonia 2000.
ENTRE JAZZ Y WORLD BEAT
La obra de Di Meola ha sido presa de innumerables clasificaciones y etiquetas;
en un principio, era considerado simplemente un guitarrista más de jazz; su
reunión con De Lucía y John McLaughlin para formar el “super guitar trio”, lo
llevó a ser considerado una guitarra flamenca; a mediados de los 80, el auge del
new age, que era bastante antiguo ya, lo encasilló. Una década después, el
movimiento del “nuevo flamenco” se adueñó de su nombre.
Estas nomenclaturas quizá no sean tan erróneas; Di Meola ha compuesto y
ejecutado jazz puro, flamenco, tango, bossa nova, y música totalmente
experimental y progresiva. A últimas fechas, se le ha propuesto como un miembro
más de la mal definida corriente del “world music”, y en efecto, su música suele
ser tan compleja que pudiera formar parte de todas estas estériles
denominaciones, lo que demuestra la versatilidad y la belleza que ilumina sus
discos.
PASIÓN, GRACIA Y FUEGO
Entre su vasta discografía, hay álbumes clave que pudieran ser puntos de
referencia para entender tal complejidad, entre ellos están “Cielo e Terra”, que
resume la gran capacidad de experimentación de este guitarrista de origen
italiano y criado en Nueva Jersey; este disco se sustenta en la música
brasileña, pero también recurre a elementos de música del Caribe.
Otros discos fundamentales son “Elegant Gipsy” y “Casino”, que lo mantuvieron
como uno de los pocos artistas instrumentales ( y por ocasiones fue el único)
que conservó espacios en la radio de Estados Unidos.
“Friday Night in San Francisco” y “Passion, Grace and Fire”, grabados junto a
Paco de Lucía y McLaughlin, fueron un suceso mundial. El primero, rescatado de
un concierto, vendió más de dos millones de copias y en él se plasmó uno de los
momentos cumbre en la ejecución de la guitarra por tres pares de manos benditas;
el segundo, es un disco de estudio en el que se ejecutan temas en conjunto, pero
cada uno con el toque personal de su compositor, una gama irrepetible de matices
y de velocidades sorprendentes.
EL ÚLTIMO TANGO
Sin duda, el tango ha sido crucial en el desarrollo artístico de Al Di Meola,
una admiración casi religiosa por Piazzolla al igual que una amistad entrañable
entre ambos, se reflejó en sus trabajos con su grupo World Synfonia, sin
embargo, el disco “Di Meola Plays Piazzolla”, reúne 10 piezas de las cuales ocho
son versiones de temas de Piazzolla, una es coautoría y el tema que cierra el
disco, es un homenaje de Di Meola a su gran amigo, quien muriera en 1992.
Escuchar esta obra, nos remite a un estado de equilibrio y de armonía con
nosotros mismos y nuestro alrededor. Es, como bien afirma Valdemar Ayala, en uno
de sus artículos, un paliativo para los malestares propios de transitar por la
aldea global, ya sea en una gran urbe, o en nuestra mal planeada ciudad.
La obra de Di Meola, y en especial su disco “...Plays Piazzolla”, son piezas
fundamentales en la construcción de un rompecabezas que parece no ver su
término: la música de actualidad (la “avanzada”) y los grandes clásicos, poseen
entre sus riquezas, las manos y el genio de un hombre que lejos de inhibir su
creación por asuntos conceptuales o temáticos, la ha llevado a un punto diverso,
enriquecedor y humano: el de la autocomplacencia recompensada con el
agradecimiento de sus seguidores. Pocos casos como éste en la música
instrumental.
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John McLaughlin
John McLaughlin es uno de los más grandes guitarristas de la historia del Jazz y
el Rock (considerado por muchos conocedores el mejor), y su primera banda,
Mahavishnu Orchestra, ocupa dentro de ésta un sitial de honor, a pesar de su
breve existencia. Reconocido como el grupo fusión predominante, la Mahavishnu
Orchestra fue considerada por muchos observadores durante sus inicios como una
banda de rock, pero sus sofisticadas improvisaciones colocaron su poderosa
música entre el rock y el jazz. La historia de esta legendaria agrupación, que
fue como una estrella fugaz en el inmenso firmamento engendrado del bing bang
musical ocurrido a finales de los 60’s, y que brilló con una intensidad
inusitada durante su breve existencia de 5 años, está estrechamente ligada a la
de su líder y fundador. McLaughlin, nacido en 1942, arribó a Estados unidos
procedente de Gran Bretaña a principios de 1969, siendo conocido solo en un
selecto círculo de músicos y admiradores. A finales de ese año, era
internacionalmente aclamado como intérprete. Al llegar se unió a un nuevo trío
liderado por el prodigioso y talentoso Miles Davis y el baterista Tony Williams.
Su contribución como músico y coautor en la banda fue determinante en la
creación de un nuevo mundo musical, donde se fusionaba la exigente improvisación
del jazz con el Rock’n’Roll, terrenos donde ninguna otra banda se había
adentrado. Los dos años siguientes fueron de actividad sísmica musical, en el
que se produjeron dos álbumes: In A Silent Way y Bitches Brew. Con esa
experiencia y conocimientos adquiridos a cuestas, y su talento inigualable, John
Mc Laughlin formó en 1971 la Mahavishnu Orchestra. En esa época era discípulo
del gurú hindú Sri Chinmoy, quien le antepuso el nombre de Mahavishnu. La
primera formación, considerada la mejor de todas, estaba integrada además por
Billy Cobham (batería y percusión), Jerry Goodman (violín), Jan Hammer
(teclados) y Rick Laird (bajo).
Al poco tiempo la banda estaba tocando en grandes escenarios y estadios, con las
bandas de rock de teloneros, y una audiencia de jazz y rock que respondía con
éxtasis y admiración a un virtuosismo desgarrador, ensambles vertiginosos,
pasajes tranquilos y relajantes, y melodías atonales y en clave menor, tomadas
en gran parte de la India. Esta formación grabó durante 1971-73 tres intensos
álbumes en estudio para la Columbia, y uno de los más potentes álbumes en vivo
de todos los tiempos: Between Nothingness And Eternity. En el tercer disco, Love,
Devotion And Surrender, McLaughlin colaboró con Devadish Carlos Santana, otro
discípulo de Sri Chinmoy. Entonces, en un giro inesperado, McLaughlin reformó
completamente la banda creando una segunda versión de ésta en 1974, con el
violinista Jean-Luc Ponti, Gayle Moran (teclados y voz), el bajista Ralphe
Amstrong y el baterista Narada Michael Warden, grabando dos álbumes. En 1975 Stu
Goldberg remplazó a Moran y Ponti abandonó el grupo. Esta última encarnación de
la banda grabó el célebre álbum Inner Worlds, antes del colapso definitivo,
motivado por el acercamiento cada vez mayor de McLaughlin a la religión hindú y
a la guitarra acústica. En 1975, McLaughlin formó con el violinista hindú Leo
Shankar (hijo del celebre Ravi Shankar, maestro de la cítara) el quinteto
acústico Shatki, estableciendo conexiones entre estilos acústicos y música de
influencia hindú. Posteriormente, aún en la onda acústica, incursionó en el
world music, particularmente en el flamenco-jazz, con el más celebre trío de
guitarra que haya existido, incluyendo a Al Di Meola (Return To Forever) y Paco
De Lucía. Luego de girar y grabar con este trío, formó un dueto con la pianista
Katia Labeque y grabó un disco solista en el que se reencontró con la guitarra
eléctrica. Entonces, en 1984, surgió lo inevitable: renació la legendaria
Mahavishnu Orchestra, con Cobham, el saxofonista Bill Evans, el tecladista
Michael Forman, el bajista Jonas Hellborg y el percusionista Danny Gottlieb,
grabando el último álbum de la banda: Mahavishnu, editado por la Warner Brother.
Este intento de revivir las glorias pasadas fracasó, debido al escenario de
mediocridad musical que invadió la década de los 80’s, impidiendo el desarrollo
de la música virtuosa. A partir de entonces, John McLaughlin se dedicó a sus
trabajos solistas, entre ellos el John McLaughlin Trio, colaboraciones con
músicos de Jazz, y más recientemente la reunión del trio McLaughlin-Di Meola-De
Lucia.
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